L’exposition Figures Seules , présentée à l’Espace MA de Lee Ufan Arles du 1er Juillet au 24 septembre 2023, réunit les œuvres de cinq artistes  travaillant en France, Brigitte Aubignac, Ymane Chabi-Gara, Marc Desgrandchamps, Tim Eitel et Djamel Tatah, autour du thème de la figure humaine. 

Celle-ci se présente seule, non pour des raisons formelles, mais parce que cette solitude renvoie à  des situations aux significations sociales et psychiques qui caractérisent particulièrement notre époque: l’enfermement en soi, l’absence de l’autre, la mélancolie, l'exclusion ou le deuil.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue paru aux Éditions Martin de Halleux avec des textes de Philippe Dagen et de Lee Ufan. 

Cette exposition reçoit le soutien de Guerlain, qui accompagne Lee Ufan Arles dans une collaboration plus globale pour les deux années à venir.

Prix : le prix du billet d’entrée à Lee Ufan Arles vous donne accès aux expositions permanente et temporaire.

Brigitte Aubignac, artiste peintre et réalisatrice interroge les stéréotypes de la femme dans l’histoire de l’art. En se basant sur des scènes relevant de l’intime et de l'indicible, elle explore picturalement les tabous de la société contemporaines et les questionnements sociétaux liés à la folie et au deuil.

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L’isolement, la solitude, le corps en rapport avec le monde et avec la condition d’être social sont les sujets centraux des peintures d’Ymane Chabi-Gara. Elles représentent des individus, seuls ou en groupes restreints, dans des univers et des situations miroirs de leur intériorité. Espaces domestiques et friches industrielles servent de support à la narration, guidée par des impressions formelles et colorées. Ymane Chabi-Gara détermine la structure de la composition par un dessin minutieusement détaillé. À partir de ces trames, l’expérience de la peinture pour elle-même ouvre des possibilités sensibles. Le corps lui sert de point de convergence vers lequel toute l’expérience tend et trouve du sens. Le corps des autres mais aussi, depuis peu, son propre corps. Cette mise en scène d’elle-même aborde à la fois la singularité de l’intime et la solitude comme sentiment archaïque et universel.

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Peintre majeur de la scène artistique française, Marc Desgrandchamps joue sur les notions d’opacité, de transparence et de surimpression. Si sa peinture est figurative, la perspective est souvent tordue, l’espace indéfini et des anomalies surgissent : corps morcelés, objets fantomatiques. Ses œuvres, puisant leurs références dans de nombreux univers (histoire de l’art, photographie, cinéma, littérature, musique, mais aussi des photos personnelles), éprouvent les limites de la figuration. Il cultive, selon ses propres mots « une peinture du doute, doute de la figure, doute de la présence, doute même de la peinture ». Ce doute passe par la transparence, qui est aussi une manière de parler du temps et du passage. Autre motif récurrent chez lui, la figure féminine, notamment celle des baigneuses, qui occupe une place centrale. Il existe des constantes fortes dans ses tableaux, comme certains sites ou l’omniprésence du ciel bleu.

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Depuis près de vingt ans, Tim Eitel emploie la peinture pour créer des analogies avec la réalité, en construisant des mondes parallèles fictifs à partir de situations qui ont été vues et vécues. Ses peintures sont basées sur des rencontres, des objets photographiés ou des espaces qui existent réellement. Les protagonistes rencontrés sont aussi souvent des connaissances ou des proches de l’artiste. Les expériences ainsi produites sont ensuite réduites à une essence significative. Dès ses premières oeuvres, son travail est imprégné d’une ambivalence de la couleur pure comme forme abstraite de grande surface – de la même manière qu’un mur noir délimite les contours d’une image – et de la couleur comme motif, atmosphère et sentiment. Les œuvres de Tim Eitel ne racontent pas d’histoires, mais présentent un moment sans début ni fin, défini à la fois par une constellation de figures dans l’espace, le déclin de la lumière sur les architectures et les relations des couleurs entre elles.

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Dans une peinture sobre et épurée, Djamel Tatah livre une représentation de l’homme contemporain qui affirme sa présence au monde. A partir de la réalité, des situations les plus ordinaires aux événements qui marquent l’actualité, il peint des figures humaines, à l’échelle du corps, suspendues dans le temps, plongées dans le silence et qui semblent n’appartenir à aucun lieu défini. Réévaluant la solitude comme vertu, l’artiste tente de dépasser la réalité pour expérimenter, au moyen de la couleur, de la lumière et du trait, son sentiment d’être au monde.

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